P arte

Hiperrealismo

Hiperrealismo


Podría parecer que el "hiperrealismo", sucesor del pop art, está en direc-ta contradicción con lo que recién ha sido dicho sobre el reemplazo del objeto arte" por el objeto idea". Nos encontramos aquí ante un regreso hacia el tipo más conservador de pintura y escultura representacional. Más que el pop art, la reputación del hiperrealismo es el resultado de una alianza entre marchands y coleccionistas, frente a una respuesta hostil de la crítica. Pero también se puede ver que el arte de este tipo de-be mucho de su carácter a su dependencia del pensamiento conceptual. El pintor, por lo menos, no se acerca directamente a la realidad, sino que trata de reproducir lo que vería una cámara fotográfica. La transición del pop a lo que es reconocidamente hiperrealismo, por lo menos en lo que concierne a la pintura, aparece en la en la obra del inglés, residente en EEUU., Malcolm Morley. En común con muchos artistas pop, desde Liechtenstein a David Hockney, Morley está fascinado no tanto por lo que muestra la pintura, sino por el método usado para mostrarlo en otras palabras por la convención de la representación. La diferencia principal entre su obra y la de, digamos, Lichtenstein, es que se permite a sí mismo mucha menos libertad de maniobra.

Morley empezó pintado cuadros que estaban basados sobre el tipo de ilustración que uno puede encontrar en un folleto de viajes; un trans-atlántico sobre un improbable mar azul, por ejemplo. Pero no habla de las distorsiones impuestas por los procesos baratos de reproducción en color. Es más, el artista parecía querer obtener el efecto de una copia a cuatro colores de buena calidad. Los cuadros se pintaban área por área y a menudo invertidos, de manera que el artista no llegaba a ver cuánto se había acercado a su modelo hasta terminar la tarea. Se producía así una pintura aparentemente realista de una manera abstracta. Aun así, Morley parece haber encontrado que la perfección de la terminación trabaja en contra del efecto de alineación que se había intentado; y en pinturas posteriores, tales como Paginas amarillas de St John, se ha tomado el cuidado de introducir mecanismos que dejan claro que la pintura es de hecho una reproducción de una reproducción.

Algunos pintores que están más completamente identificados con el movimiento hiperrealista, tales como Richard Estes y Ralph Goings, han atemperado la estrictez de este enfoque. La fascinación de la obra de Estes descansa en la extremada precisión con que parece reproducir las apariencias. Las escenas callejeras de Nueva York, que forman el tema de casi todas sus pinturas y grabados, están descriptas con un cuidado minucioso que recuerda a los maestros holandeses del s. XVII evidente-mente, la similitud entre algunos de sus cuadros y pinturas tales como la Vista de Delft de Vermeer e interiores de iglesias de Saenredam, pare-cen sugerir que Estes se aparta de los principios del hiperrealismo, en relación con la escondida organización que les impone a sus composi-ciones. Cuanto más uno contempla su obra, más clara mente ve que depende de una estructura geométrica cuidadosamente dispuesta del ti-po que una cámara muy pocas veces puede descubrir por sí misma. Goings difiere de Este en varios aspectos importantes, a pesar de un aparentemente idéntico pulido de la terminación. Está suficientemente claro, por ejemplo, que en su obra, así como en la de un artista tal como Robert Bechtle, el tema tiene cierta importancia. La agresiva trivialidad parece destinada a hacer un comentario sobre la calidad de vida que se vive en estos desolados entornos. Pero esto es secundario en relación con su deseo de crear un dialogo con la visión monocular de la cámara. La delicadeza de la terminación (resultado de usar un aerógrafo) preten-de que sea equivalente a la de una buena diapositiva en color. La escul-tura hiperrealista, a diferencia de la pintura hiperrealista, no implica nin-gún acto de traslado de tres dimensiones a dos.

La escultura es entonces aún más literal en su representación de la realidad. O así podrá aparecer cuando miramos por primera vez a esas figuras que, que en su mayoría, son de tamaño natural.

Si miramos la obra de Duane Hanson, por ejemplo, nos llama la atención su extraordinaria apariencia de vida. Por un momento aparece como si la persona representaba estuviese parada viviendo y respirando frente a nosotros. Evidentemente, se toman todos los cuidados para darnos esta sensación: la figura no solo usa ropa verdadera, sino que está equipada con accesorios cuidadosamente seleccionada. La cara y otras zonas de la piel están pintadas para imitar la vida. Sin embargo, la obra de Han-son tiene una calidad que no se encuentra en las obras de cera de las ferias, que tratan de engañarnos de la misma manera. Hay un elemento de sutil intensificación -uno casi podría llamarlo caricatura -que hace estas figuras más memorables que sus modelos. La técnica de Hanson y la de otros escultores Hiperrealistas tales como Jhon de Andrea, como Segal, basan su obra sobre el uso de moldes de tamaño natural. En sus manos, estos sirven como el equivalente del lente de la cámara en la pintura hiperrealista, una forma de reproducir la realidad mas exac-tamente que lo que el propio ojo puede verla. Este es un método también empleado por el joven escultor británico Jhon Davies. Es interesante notar cuán diferentes resultados logran estos artistas.

En el caso de Segal, la superficie rugosa de las figuras sirve para distan-ciarlas dentro del reino de lo que es reconocidamente "arte ". Hanson y De Andrea, por otro lado, parecen querer empujar a su obra a la compe-tencia directa con las figuras vivientes que vemos moverse alrededor de nosotros. Davies, en su cabeza de William Jeffrey, adopta una solución de compromiso. La fuerza de la cabeza nos recuerda a ciertos bustos romanos de la época republicana, que también están basados sobre máscaras. El "artefacto" que la rodea (una jaula de alambre azul con per las que cuelgan)sirve para ponerla firmemente en un dominio diferente del que nosotros habitamos. Para ayudarnos a captar el carácter del arte hiperrealista, y los diferentes objetivos de los pintores y escultores, es útil una comparación entre la cabeza de Davies y el retrato ilustrado de Chuck Close. Close quizá sea el más "puro "de todos los pintores que han sido clasificados como pertenecientes a esta escuela. Dice al artista categóricamente: "Mi objetivo principal es traducir información fotográfica a información en pintura". Dice también que quiere originar una manera diferente de ver": Mi escala grande fuerza al observador a enfocar un área por vez. De esa manera se le hace darse cuenta de las áreas borro sas vistas con la visión periférica. Normalmente nunca tomamos en cuen ta esas áreas periféricas... En mi obra las áreas borrosas no se ponen en foco, pero son muy grandes para ser ignoradas".

La escultura, que no puede controlar de esta manera nuestra propia for-ma de mirar, es naturalmente forzada a buscar otros medios para logra este efecto. Davies, por ejemplo, por medio de su uso de "artefactos" de varios tipos, parece intentar externalizar la reserva sicológica internar de los personajes que describe. Duane Hanson usa trucos que derivan del teatro. Sus figuras, como ciertos actores, tienen expresiones y poses que señalan con precisión la esencia del carácter. Un movimiento fluido a sido detenido en su punto de más expresivo. Incluso Jhon de Andrea, a primera vista el más suave y menos comprometido de los escultores hiperrealistas, tiene formas de obtener una reacción particularmente planeada hacia lo que nos pone por delante. Podemos entender mejor el carácter de un desnudo de De Andrea comparándolo con un desnudo similar de Reg Butler. Hay un cierto número de reminiscencias. Butler, a pesar de que la figura esta hecha de bronce, la pinta de color carne y le pone cabello "verdadero "y ojos verdaderos. Somos agudamente cons-cientes, por lo menos, de que esto es una visión personal de la sexua-lidad femenina, expresada por medio de ajustes deliberados de lo que se ve objetivamente. De Andrea, por otro lado, aun cuando aparentemente conforme con la reproducción literal, a elegido y hecho posar a una modelo para proyectar su personalidad, e incluso su clase social. La muchacha tiene la confianza de alguien que nunca a pasado hambre. Cuando más mira uno el arte hiperrealista, más se impresiona por el elemento de comentario social que emerge de su aparente neutralidad.

Este es un arte que, en un sentido, parece apelar a respuestas entera-mente triviales a la sensación placentera de ver algo imitado exactamen- te, sin importar lo que es esa cosa; pero que a un nivel más profundo habla a su publico porque expresa, sin retórica, la nulidad y deses-peración que se encuentra en grandes áreas de la sociedad urbana. A pesar de que vemos esto especialmente claro en la escultura de Duane Hanson, quien tan a menudo parece concentrarse en la fealdad de sus conciudadanos norteamericanos, lo podemos detectar, también, en las aparentemente frescas e inocentes colaboradores de De Andrea, cuya despreocupación infantil y complacencia están notablemente retratadas, a pesar de la belleza física que describe el escultor. En más de un sentido, el hiperrealismo es el arte representativo de las democracias occidentales en la última parte del siglo XX.

Estos contenidos pertenecen al libro Movimientos en el Arte desde 1945 por Edward Lucie-Smith.

 


Hiperrealismo

De Wikipedia, la enciclopedia libre.

 


El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista, apare-cida en torno a los años sesenta en los Estados Unidos, caracterizada fundamentalmente por el uso de la fotografía como medio técnico de la pintura.

Nunca se constituyeron los fotorrealistas en grupo, pero sí se hicieron exposiciones que los presentaron como un estilo: La Imagen fotográfica y 22 Realistas, ambas en Nueva York, a mediados de los años sesenta. En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés. Sin embargo, artistas como Chuck Close, Malcolm Morley o Richard Estes, desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad, consiguiendo resultados a veces asombrosos.

Chuck Close utiliza la fotografía como medio para hacer sus retratos, que se apartan totalmente del retrato tradicional y se acercan más hacia el cartelístico y sugestivo principio cinematográfico del primer plano en superpantalla, hacia la no-distancia de la técnica de la instantáneas y hacia el gesto objetivador de las fotografías clínicas y policiales (Sager). En su obra trata problemas como la percepción del espectador y la focalidad. Close no parte de la realidad sino que la aborda indirectamente a través de la fotografía que proyecta sobre el lienzo.

Como todos los fotorrealistas, no hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia.

Richard Estes, conocido por sus cuadros de escaparates y escenas urbanas, utiliza varias diapositivas del mismo objeto, de modo que en sus cuadros se ve no sólo el escaparate sino también lo que hay dentro de la tienda y lo que se refleja en el cristal. Sus lugares públicos están desiertos, en un modo de abstraer la funcionalidad de lo representado que es típica del fotorrealismo.

Don Eddy pinta coches y David Parrish motos. El francés Jean Olivier Hucleux pinta cementerios de personas y cementerios de coches, en un realismo que es una repetición de la realidad. Ed Ruscha, a caballo entre el Pop y el fotorrealismo, pinta gasolineras, cuadros de palabras y hace libros de fotografías.

Otras características del fotorrealismo son la exactitud en los detalles, contrastada con la irrealidad del efecto espacial y la capacidad de convertir en temas pictóricos los detalles visuales de la realidad. Estos pintores ejercen un alto grado de conceptualismo al plasmar la diferencia entre el objeto real y su imagen pintada: lo real, trasladado al lienzo me-diante la cámara fotográfica, fotografiado mediante recursos pictóricos (sager). Al utilizar la fotografía en el proceso de la realidad al cuadro, lo real queda roto y manipulado dos veces, en el cuadro y en la fotografía, de ahí el aspecto de irrealidad que diferencia el fotorrealismo del reales-mo tradicional. Otros artistas estadounidenses de esta tendencia son Robert Cottingham, John Kacere, Paúl Staiger, Robert Bechtle, Richard McLean y Malcolm Morley.

Algunos artistas que, sin ser específicamente fotorrealistas, han utilizado la fotografía como medio de expresar la realidad son el francés Christian Boltanski, quien utiliza fotos de álbumes familiares de otras personas que según sus propias palabras, serían, tras haber fallecido, la prueba de su existencia; el alemán Gerhard Richter, que emplea fotografías des-de 1962 de forma continuada, aunque su trabajo ha explorado práctica-mente todos los posibles terrenos de la pintura y no es por tanto un foto-rrealista puro como los anteriores. El americano Richard Artsch-wager lleva fotografías de interiores a una superficie de celotex con un granula-do fino al que aplica un ligera mano de pintura blanca y negra.

Con respecto a la escultura hiperrealista americana hay que destacar a Duane Hanson, que reproduce a tamaño natural personajes sacados de las clases trabajadoras, y a Segal que emplea la misma técnica que Hanson: vaciado de yeso de los modelos, relleno de los moldes con fibra de vidrio y poliéster, ensamblaje de las partes y pintado en color carne; la pieza se termina vistiéndola con ropas usadas. John De Andrea esculpe desnudos de un hiperrealismo tan acusado que parecen personas reales, al igual que Nancy Graves hace con sus esculturas de camellos.

En el caso español, una de las figuras más relevantes del hiperrealismo mágico sería el pintor Antonio López.

 

Obtenido de http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo


- - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - -

 


Movimiento que se encuadra en las llamadas "Segundas vanguardias" del siglo XX dentro de la tendencia de la "Nueva figuración y otras formas de realismo". Nace en los EE.UU. en los años 60. En origen se llamaba "Realismo fotográfico" (Sharp focus realism) o Hiperrealismo (acusado realismo), denominación que acabó por imponerse.

Esta tendencia consiste básicamente en traducir literal y fotográfica-mente la realidad con la técnica pictórica tradicional, aunque cada pintor da un toque personal a sus obras, expresando de esta forma su opinión sobre la imagen. Esta corriente existe tanto en pintura como en escul-tura. Pintura: Los temas generalmente son: paisajes urbanos, fachadas de tiendas, retratos, animales, detalles diversos, paisajes, bodegones...

Técnica:

- Se emplea la cámara fotográfica como elemento imprescindible para obtener la imagen de lo que se va a representar, sobre todo en la reproducción de retratos, ya que, el tiempo de exposición sería muy prolongado.

- Es necesaria una gran habilidad técnica para que el acabado parezca una fotografía.

- Los principales representantes de esta tendencia pictórica son Louis Meisel, Chuck Close, Don Eddy, Richard Estes. En España el más conocido (internacionalmente) es el pintor y escultor Antonio López García.

El hiperrealismo se trata en definitiva de un estilo que marca una vuelta a la figuración, a reconocer el objeto, un alarde de técnica y detallismo.


Hiperrealismo Norteamericano


Tras las manifestaciones artísticas demasiado intelectualizadas, un grupo de artistas decidió tomar como punto de partida el Pop Art y ampliar su iconografía. En pintura se puede hablar del fotorrealismo, en el que se toma la cámara y la fotografía para obtener información y transferirla al lienzo. La apariencia de estas obras es de fotografías a gran tamaño

En escultura se habla de escultura hiperrealista, recoge temas cotidianos, con un toque de humor, señala los aspectos más banales de la vida y gracias a nuevos materiales como la fibra de vidrio que da una gran realidad. Las esculturas aparecen a escala humana, y una vez colocadas en las salas de exposición se entremezclan con el público, jugando con el engaño al espectador.

Destacan en el Hiperrealismo artistas como: Richard Estes, Robert Cottingham, Ralph Goings, John Kacere, John Baeder y Chuck Close.


 

EL HIPERREALISMO.-


“...Este nuevo arte realista es puramente descriptivo y, a menudo, anecdótico. Un arte violentamente tradicional que se basa de manera descarada en el modelo mismo de la fotografía más objetiva posible y que muy bien podría ser calificado como un nuevo trompe-l'oeil.

 ...Los EEUU. se reconocen, por fin en un arte contemporáneo esto lo reconforta con la imagen perfecta, impecable y lustrosa que desea ver de sí mismo. Coches rutilantes, cafeterías y supermercados de cristal y aluminio, motos cromadas, letreros luminosos, aeropuertos perfectamente dibujados sobre el cielo californiano,... Todo debe ser previsible y sin defectos, sin riesgo de errores humanos, más auténtico que la propia realidad. (...)

...el hiperrealismo pone especial énfasis en la sobreabundancia de imágenes fotográficas en nuestra sociedad. (...)

Nuestras relaciones con lo real se han invertido. La realidad se convierte, en la época de la reproducción mecánica, en el doble de su imagen. El empirismo de antaño, el conocimiento eminentemente sensorial del mundo, ha sido sustituido por un conocimiento mediatizado, separado. Es esta separación la que pinta el hiperrealismo. Con su mentalidad clínica y su ausencia de implicación emocional, expresa una mirada crítica sobre nuestra civilización cuando parece que quieran ensalzarla. (...)

El impresionismo ya utilizó la fotografía, pero lo hizo con los puntos de luz o el grano del papel, y la postal sería para Utrillo el soporte de lo pintoresco. Los pintores hiperrealistas, en cambio, enfocan su mirada sobre nuestro entorno urbano y suburbano, sobre nuestros cuerpos, nuestros rostros, de los cuales se convierten en el espejo implacable y deshumanizado. Su pintura es un arte de reflexión en todas las acepciones de la palabra: refleja y, por tanto, hace reflexionar.”

       Varios Autores.- “El arte del S. XX. 1950-90”  - Salvat. Madrid 1990. Págs. 294-295.


EL HIPERREALISMO AMERICANO.-


“El hiperrealismo es un movimiento pictórico que se define en la década de los setenta en New York y la costa oeste de Estados Unidos como reacción contra el expresionismo abstracto y el conceptual. Mientras que el Pop Art integra en sus obras los objetos e imágenes de nuestro entorno como las botellas de Coca-Cola, los detritus o el cómic, el hiperrealismo prefiere reproducirlos con la máxima fidelidad. Con esta reproducción perfecta de las imágenes se ofrece al espectador una nueva sensación: cuando contempla una obra hiperrealista la realidad se revela a sus ojos a partir de lo que ve.

Para los artistas hiperrealistas cualquier tema o imagen es digna de tratarse: mujeres en ropa interior, fachadas de edificios, escenas de calle, coches,... Imágenes realizadas con una precisión casi fotográfica, un verismo sorprendente. Se trata de artistas que reivindican el arte de caballete contra el accionismo incontrolado del expresionismo y las pro­puestas intelectuales del conceptualismo. (...)

La mayoría de los artistas son americanos; por eso de le considera un realismo “made in USA” y puede entenderse como un “post-pop”. Parten de un modelo fotográfico que copian de la forma más precisa. Su pintura pretende así emular la función de la fotografía, aunque en su caso se trata de imágenes monumentales. Evitan el contenido social afirmando de este modo los valores establecidos en la sociedad americana. (...)

Sin pretender asumir una actitud política o psicológica, los hiperrealistas se consagran exclusivamente al conocimiento de nuestra realidad más inmediata con el máximo de objetividad posible y a partir de recursos de gran verismo realista, interesándose únicamente por el sentido de la pintura como medio de representación de nuestra realidad más próxima. La pintura pierde con el hiperrealismo en ánimo de ruptura e investigación del espíritu de las vanguardias; incluso sus temáticas pretenden una neutralidad fuera de todo compromiso o actitud crítica. El hiperrealismo prefiere encauzar su dinámica más hacia aspectos de mercado que de grupos sociales determinados.”

 Varios Autores.- “El arte del S. XX. 1950-90” - Salvat. Madrid 1990. Págs. 314-5

 


HIPERREALISMO CON LUZ DE TRÓPICO

Texto: Carlos Yusti


El "hiperrealismo" no las ha tenido todas consigo. Para muchos es el sucesor bastardo del Pop Art. Para otros no es más que el regreso hacia un estilo conservador al momento de percibir la realidad a través de la pintura o la escultura. No obstante, con el oleaje del postmodernismo la estética hiperrealista ha ido ganando terreno y nombres como Richard Estes, Malcolm Morley, Duane Hanson, Ralph Goings y muchos otros son ya una referencia inevitable de la historia del arte.

Jorge Dager como fiel exponente del hiperrealismo agranda el formato y sus frutas adquieren toda la luz y el color del trópico. Su trabajo posee una exactitud rica en color. Su maestría es inmejorable en el manejo de la luz y en la creación de envolturas de plásticos con una precisión de versátil línea.

Dager también es escultor y creador de joyas con un toque ancestral que recuerda mucho la orfebrería egipcia. En todas estas áreas artísticas, demuestra su estudio cuidadoso y su pasión por el detalle.

Para pintar sus distintas frutas se toma un cuidado inaudito. La superficie de las patillas, naranjas, albaricoques está tratada con mucha minuciosidad al punto que reproduce sus imprecisiones e irregularidades con fascinante ojo fotográfico. No por casualidad obtuvo (año 2002) en Praha el Premio Salvador Dalí.

El arte hiperrealista parece responder a resortes enteramente triviales, a la sensación placentera de ver algo imitado con cierta precisa exactitud, sin importar el motivo pictórico (una calle, un lavabo, una habitación, una naturaleza muerta); pero a un nivel más profundo parece querer decirle al espectador que expresa, sin retórica, que el mundo a nuestro alrededor también es una metáfora de precisión estética. Las motivaciones por las cuales un artista asume determinada tendencia plástica, o determinados motivos, nunca son claras del todo. Roger Fry, pintor y crítico, en un texto sobre la visión del artista escribió: "En su preocupación por la apariencia, continua y sin descanso, es capaz de mirar objetos que tanto la visión estética como la de la curiosidad rechazarían de forma instintiva o que quizá nunca advertirían, tan poca probabilidad de satisfacción ofrecen. Pero el artista siempre puede encontrar satisfacción, como material para su cuadro, en los lugares más inesperados. Objetos de los períodos más despreciados u objetos saturados de las asociaciones más vulgares y repulsivas por el hombre corriente, pueden ser provechosos para él".

Por lo pronto Dager revaloriza la realidad desde una perspectiva fresca y fulgurante; no hay anacronismo en su trabajo, sino una propuesta de acabada estética donde el talento y la técnica se entrelazan para brindar al espectador una realidad de meticuloso trazo e inaudita belleza.


 

--------------------------------------------------

 



Hiperrealismo


Conocido también como Superrealismo, Realismo Fotográfico y Fotorrealismo, es un movimiento pictórico surgido en la década de los '60, cuyas técnicas aspiran a una precisión casi fotográfica.

El Hiperrealismo busca mantener en la pintura la conexión con la visión fotográfica del encuadre y la traducción fiel de la escena.

Por tanto, los temas son representados con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles, por medio de una agudeza óptica llevada a cabo con tal virtuosismo técnico, que supera la "visión" del objetivo fotográfico.

Algunos representantes de este estilo trabajan a partir de fotografías, tratando con igual agudeza y precisión todo el cuadro.

En algunos caso se utilizan grandes tamaños de cuadros y pintura plana, que aspiran a producir la impresión de inmensas ampliaciones fotográficas.

Se va de lo real a la fotografía y de la foto al cuadro, reafirmando dos veces lo real o, tal vez, distanciándose doblemente del objeto; no hay una mirada subjetiva sobre la realidad, puesto que las imágenes son frías.

El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina.

Una disciplina de síntesis para la ejecución en la que intervienen los más modernos recursos infográficos junto a una superficial aplicación del color, por medio de veladuras y empastes y una destreza en el atrapamiento de la luz en el lienzo.

Cuándo apreciamos una buena obra hiperrealista, asistimos al más notable triunfo de la representación, debido a la máxima eficacia del oficio como modo de producción y método de apropiación de la realidad visible.

Pero también es cierto que se produce saturación de la información visual: el apego a la transcripción objetiva normalmente dificulta el despliegue de una audacia imaginativa mayor o divertimentos cromáticos que permitan las necesarias sugerencias poéticas de las imágenes expuestas.


 

HIPERREALISMO


(1970 hasta la actualidad) 

 Claves del periodo

Realismo fotográfico.

Aparente neutralidad temática.

Extraordinaria apariencia de vida.

Escuela principalmente americana e inglesa.

Detalles y terminación muy cuidados.

Reflejo de la ciudad, sus gentes y sus costumbres.

 

Artistas y obras representativas

Chuck Close: "Retrato"

Richard Estes: "Façade"

Don Eddy: "Pintura"

Ralph Goings: "Aerodynamic wagon"

Audrey Flack: "Bounty"

Antonio López: "La nevera" 

Estilos del mueble asociados


Estilos actuales.


El hiperrealismo surge como respuesta a la frialdad del minimalismo y el arte conceptual. Posee una estética muy enraizada con el arte Pop. El artista toma toda la información a través de la fotografía y luego la copia en el soporte pictórico, tratando de que se parezca lo más posible a la realidad. Se vale de cualquier método para que sea exacta, como proyectar la fotografía sobre el lienzo o la vieja táctica de la retícula.

Los temas son muy variados. En general se centran en la representación de la ciudad, los edificios, los coches, los escaparates, los letreros...Tal es su realismo que han sido acusados de meras copias, tanto de la fotografía como de la realidad.

Dentro de la escuela americana destaca Chuck Close como uno de los mejores representantes del movimiento. Realiza numerosos retratos de amigos suyos, a gran escala y donde se resaltan los defectos a favor de un mayor detallismo. Robert Cottingham plasma fragmentos de anuncios comerciales con los fuertes reflejos de las luces de neón.

La técnica de Richard Estes es curiosa, consigue que se vea el interior de los escaparates y a su vez el reflejo sus cristales de los coches y la gente que pasea. Los coches son un tema recurrente en esta tendencia. John Salt pinta chatarra y chapa abollada, frente a las superficies brillantes y pulimentadas de Don Eddy. Para Ralph Goings la mejor manera de representar los vehículos es dentro de su contexto urbano.

Cuidan bastante el resultado final, el color debe ser tan real que emplean técnicas nuevas como el aerógrafo. Es frecuente encontrar obras con connotaciones eróticas, desnudos habitualmente femeninos en la obra de John Kacere y Ben Schonzeit.

Audrey Flack es la única mujer del grupo americano. Su estilo presenta una evolución del bodegón, algo así entre las vanitas y las naturalezas muertas llenas de impensables objetos de uso cotidiano.

El ámbito de la escultura respeta más, si cabe, la apariencia de realidad. Las imágenes son de tamaño real y totalmente vivas. En ocasiones se ven expuestas como si se pasearan entre el público.

En el resto de Europa encontramos figuras relevantes como Domenico Gnoli en Italia; Malcolm Morley en Inglaterra; Gerhardt Richter en Alemania y Jean Olivier Hucleux en Francia. En España hay ciertas aportaciones realistas del Equipo Crónica, pero la personalidad más relevante es Antonio López (nacido en 1936). Con él lo cotidiano adquiere un carácter especial, algo entre lo mágico y lo lírico. Entre Madrid y Sevilla se forma una escuela de hiperrealistas que siguen la estela de Antonio López.


- - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - -


INTRODUCCIÓN

Hiperrealismo, tendencia surgida en Estados Unidos a finales de la década de 1960 que propone reproducir la realidad con la misma fidelidad y objetividad que la fotografía, a la que toma como modelo y cuyos códigos aplica.

2  ORIGEN

El hiperrealismo tiene un origen lejano en la tradición pictórica estadounidense, claramente favorable a la literalidad del trampantojo, como muestran los cuadros de finales del siglo XIX de William Harnett o John Haberle. En la década de 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez). Pero es innegable que el Pop Art sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, tomando la iconografía de lo cotidiano, manteniéndose fiel a la distancia de su enfoque y produciendo las mismas imágenes neutras y estáticas.

3  TÉCNICAS Y PROCEDIMIENTOS

Young Shopper Duane Hanson crea esculturas de tamaño natural en las que representa con gran realismo al americano medio. Instaladas en museos o galerías, sus figuras, como por ejemplo esta Young Shopper (1973), se confunden fácilmente con los visitantes.Berg Alistair-Spooner/Liaison Agency 

 La fotografía constituye casi siempre el punto de partida del hiperrealismo, lo que a veces le ha valido ser denominado fotorrealismo o superrealismo. Así David Parrish, por ejemplo, pintaba directamente sobre una diapositiva proyectada sobre un fondo, Richard MacLean retocaba sus documentos al episcopio, Chuck Close aumentaba los retratos para resaltar las desigualdades de la realización y el grano de la imagen fotográfica.

En algunos casos el uso del aerógrafo refuerza el aspecto brillante de la pintura y sus similitudes con el papel fotográfico. Una característica notable de esta tendencia es la especialización de los artistas en temas concretos, como en el caso de Richard Estes con sus vistas urbanas y detalles de escaparates, Don Eddy con el detalle brillante de los cromados y John C. Kacere con una imaginería erótica cercana al kitsch. John de Andrea y Duane Hanson han conferido una forma tridimensional al hiperrealismo moldeando esculturas sobre modelos vivos para después pintarlas en tonos claros y embellecerlas con vestidos y adornos reales.

4  TENDENCIAS EUROPEAS

Antonio López Antonio López es el principal representante de la corriente artística española conocida como realismo mágico. Su obra, marcada por una extraordinaria maestría técnica y el predominio del dibujo sobre la pintura, se enmarca dentro de la escuela hiperrealista. También es autor de esculturas, realizadas con la misma meticulosidad y detallismo que caracterizan su obra pictórica.Colita/Corbis 

 En Europa el hiperrealismo ha influido en ciertos aspectos de las nuevas figuraciones aparecidas hacia 1970. Entre las figuras más destacadas de esta corriente en el Viejo Mundo está el pintor francés Jean-Olivier Hucleux, quien ha aplicado de forma estricta sus procedimientos, el alemán Gerhard Richter, que ha presentado una versión crítica y comprometida atípica en el ambiente estadounidense, y el español Antonio López García, que busca en el entorno cotidiano el tema de sus obras. Sin embargo, el reproche de virtuosismo gratuito ha pesado fuertemente en el futuro de esta tendencia y en su aceptación actual.


Biblioteca de Consulta Microsoft® Encarta® 2003. © 1993-2002 Microsoft Corporation. Reservados todos los derechos.

 


Antonio López Antonio López es el principal representante de la corriente artística española conocida como realismo mágico. Su obra, marcada por una extraordinaria maestría técnica y el predominio del dibujo sobre la pintura, se enmarca dentro de la escuela hiperrealista. También es autor de esculturas, realizadas con la misma meticulosidad y detallismo que caracterizan su obra pictórica.

Biblioteca de Consulta Microsoft® Encarta® 2003. © 1993-2002 Microsoft Corporation. Reservados todos los derechos.

Antonio López García (1936- ), pintor español nacido en Tomelloso, Ciudad Real. Se formó en un principio junto a su tío Antonio López Torres, también pintor. En él ejerció notable influencia la obra de Salvador Dalí de quien toma el gusto acusado por la realidad y el predominio del dibujo sobre la pintura. Entre 1950 y 1955 realizó estudios de pintura en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Finalizados los mismos, alternó su trabajo entre Tomelloso y Madrid. Contrajo matrimonio con la pintora María Moreno. Entre 1964 y 1969 Antonio López se dedicó a impartir lecciones de preparación sobre el color en la Real Academia de San Fernando. Su obra, inscrita dentro del hiperrealismo, ha sido adaptada al cine por el director cinematográfico Víctor Erice en el film titulado El sol del membrillo (1992). La temporalidad y el deterioro de lo material son notas que definen su estilo hiperrealista. En enero de 1993 es nombrado miembro de número de la madrileña Real Academia de San Fernando. Antonio López es un artista que busca, dentro de la realidad que le rodea, los aspectos más cotidianos tratados con un enorme detallismo fotográfico como lo ejemplifica su obra titulada Cuarto de baño. Su obra abarca desde las vistas madrileñas (Gran Vía, Madrid desde Torres Blancas), retratos de sus propios familiares (Los novios), objetos de uso cotidiano (Taza de water y ventana) o simplemente elementos de la naturaleza (Membrillos y granados). Los objetos y los sucesos de la vida ordinaria son los que destacan como los protagonistas de sus cuadros. Está considerado como el padre de la escuela hiperrealista madrileña y su estilo ha influido en artistas como Toral o Villaseñor.


 

Biblioteca de Consulta Microsoft® Encarta® 2003. © 1993-2002 Microsoft Corporation. Reservados todos los derechos.

Comentarios

Estuve en Japón viendo una exposición de un pintor japonés que fue contemporáneo de Antonio López. Sabrías decirme su nombre?. por más que busco no consigo encontrarlo. Muchas gracias

Soy estudiante de arte en Guatemala, y tube una formación bastante mala en la escuela de este pais, pero tube la oportunidad de ser becado para estudiar con maestros como Daniel Schafer, egresado de la tecnologica de Pistburg, y maestro de la Architectur Center de Boston. Tambien estudié con el maestro Moíses Barrios, que estudio en San Fernando. ello me dió la oportunidad de poder empezar a trabajar dentro de la pintura y escultura hiperrealista; y el diseño. Me había costado entender el origen del hiperrealismo tanto en su tecnica como en su expreción conceptual, pero ahora con tus puntos de vista tan acertados, me livera de ignorancia para poder seguir creando. Gracias.

Añadir un Comentario: